Современное искусство в интерьере: восхитительные коллажи от художницы maggie kempinska

Современное искусство в интерьере

Миланский дом Нельсии и Фабрицио Кантони

Нельсия и Фабрицио Кантони любят эпатажный дизайн и сложные цветовые палитры. Это отличает их дом от большинства строгих миланских интерьеров. «Мы и сами не миланцы», — замечает хозяйка, включая виниловую пластинку из своей коллекции.

Для нас она выбрала старую дискотечную подборку, которую крутили в одном из отелей, принадлежащих родителям Фабрицио. Его мать — англичанка, отец — итальянец.

Нельсия — наполовину француженка, наполовину иранка, с древней фамилией Шамзадех. Они познакомились во время учебы в школе Ecole Hôtelière в Швейцарии, по окончании которой Фабрицио планировал продолжить семейный бизнес.

Какое-то время он даже работал в отеле в Портофино, а в сорок лет поступил в университет на факультет дизайна. Сначала они продавали персидские ковры в Страсбурге вместе с семьей Шамзадех.

А в 2001-м круто поменяли жизнь: открыли компанию cc-tapis, на счету которой уже множество наград и сотрудничество с дизайнерами уровня Патрисии Уркиолы. В оформлении этого трехэтажного дома Фабрицио и Нельсия отразили собственный узнаваемый стиль.

Они оба хорошо чувствуют дух времени, умеют создать эклектичное сочетание вещей, балансируя на грани высокого дизайна и китча.

Расположенная сразу при входе гостиная наполнена яркими арт-объектами, сочными бархатными обивками и, конечно, коврами. Они создают идеальный фон, объединяя палитру разных предметов.

Стены столовой оклеены знаменитыми обоями с банановыми листьями, которые Дон Лопер придумал в 1942 году для отеля Beverly Hills в Лос-Анджелесе. Чтобы подчеркнуть тему отелей, которая много значила в жизни владельцев, вместо традиционного обеденного стола они поставили три маленьких.

«Столики лучше бронировать заранее!» — смеются хозяева. Нельсия — мастер устраивать тематические приемы, будь то «Розовый ланч», в котором все, от напитков до хлеба, розовое, или особым образом сервированный «Завтрак для сов».

Нижний этаж отведен под зону отдыха и спортзал. Приватные комнаты — спальня хозяев и детская — расположены наверху. Cобственную ванную хозяева разместили сразу за спинкой кровати, сделанной в виде высокой перегородки.

В доме почти нет пустых поверхностей. Стены и полки обжиты необычными персонажами вроде розовой Белоснежки с гранатой и фарфоровых голубей, забившихся под карниз.

«С ними веселее, — говорят владельцы. — Впрочем, мы готовы поменять экспозицию по первому зову сердца. Ведь жизнь никогда не стоит на месте». www.cc-tapis.com

Хёрст Шкулёв Паблишинг

Москва, ул. Шаболовка, дом 31б, 6-й подъезд (вход с Конного переулка)

Читайте также:
Фото дизайна комнаты 16 квадратов

Клей, ножницы, бумага: 10 современных художников-коллажистов

Как создать оригинальное изображение из уже готовых картинок — 10 разных подходов к современному коллажу

В последнее время коллаж стал популярной техникой как среди любителей, так и профессиональных художников, не требуя умения рисовать и больших денежных затрат на материалы, а лишь фантазию и желание творить. Look At Me представил подборку из 10 талантливых коллажистов, чьи работы доказывают насколько разнообразна и многогранна может быть эта техника.

Две странствующие по Европе румынки, живущие в данный момент в Великобритании, сестры Сильвиу и Ирина Сзекелы (Silviu & Irina Szekely) создают коллажи, вдохновленные неодадаизмом, постсюрреализмом и деконструктивизмом. Сами они охарактеризовали свои работы, как “экспериментальные наложения псевдо пространства”. Не имея никакого художественного образования, сестры начали заниматься сюрреалистичными коллажами около года назад, используя лишь вырезки из газет и журналов и ножницы. Сильвиу и Ириной двигало огромное желание окунуться в мир свободы, силы и собственного воображения, чтобы испытать те ощущения, которых им так не хватало в реальной жизни.

Французский дизайнер одежды Лоран Дегранж (Laurent Desgrange), известный своими оригинальными мужскими бабочками, создает также психоделические коллажи, на которых можно увидеть Дэвида Боуи, Уилла Смита и членов Команды А. Некоторые из его коллажей становятся принтами на футболках и становятся экспонатами выставок. Чаще всего в своих работах Лоран затрагивает различные насущные вопросы – к чему ведет массовое потребление и как влияет поп-культура на современное общество.

Голландский художник Ашкан Хонарвар (Ashkan Honarvar), рожденный в Иране, создает многослойные коллажи, основной темой которых является изуродованное человеческое тело: “Тело, растерзанное военными действиями, эксплуатируемое секс-индустрией или используемое как средство в поисках идентичности – это фокус моих работ. Это образует поиск зла, скрытого в каждом человеке”. В представленной серии работ, вдохновленный идеями Мао Дзэдуна и китайским коммунизмом, он скрывает лица китайских девушек, подчеркивая отсутствие индивидуальности и “собственного личности”.

Мэтт Висневски (Matt Wisniewski), веб-разработчик из Бруклина, Нью-Йорк, в свободное время занимается творчеством. Он находит в сети интересные фотографии и создает из них сюрреалистичные портреты-коллажи, используя для этого разнообразные инструменты – от бумаги и ножницы – до компьютерной графики. Его работы гармонично объединяют моду, людей и красоту с природой: “Иногда внешность человека и выражение его лица влияет на то, как я буду делать коллаж, но чаще всего я стараюсь смотреть на своих героев как на чистый лист. Большинство из них я не знаю, но личность тех, кого я знаю, на меня обычно не влияет”.

Читайте также:
Что такое пилястра - это украшение дома в царском стиле

Румынский коллажист Андрей Кохокару (Andrei Cojocaru), получивший диплом Сорбонны в области юриспруденции и живущий в данный момент в Париже, создает вручную уже в течение нескольких лет оригинальные коллажи, которые он сам описывает как “случайную комбинацию форм, цветов, принтов, букв и цифр”. Несмотря на отсутствие профессионального художественного образования, Андрею удается создавать из подручных материалов оригинальные многослойные коллажи и заниматься графическим дизайном.

Холли Честейн (Hollie Chastain) – художник-коллажист из американского штата Теннесси. Её ранний интерес к искусству и опыты с керамикой, акварелью и стеклом в итоге повлияли на её дальнейший выбор коллажа как средства самовыражения. Для создания своих работ она использует фотографии и рисунки, которые с помощью акварели и других средств она состаривает. В последнее время она работает только с ретро-материалами, например, с книгами конца девятнадцатого века или номерами журнала “LIFE” семидесятых годов двадцатого века: “Характер и уникальные текстуры, которые добавляет возраст материалам, во многом определяют мою работу. Открыть книгу и увидеть на одной из страниц чернильное пятно – большая удача для меня” Вдохновленная старинными книгами, природой и детскими сказками, Холли создает новый мир приключений и тайн, открытый для фантазии зрителя.

Фотограф Джереми Гесуальдо (Jeremy Gesualdo), который живет и работает сейчас в канадском городе Торонто, взял за основу своих абстрактных коллажей старинные фотографии, вызывающие у него чувства ностальгии. С помощью своих работ он призывает ценить каждое мгновение жизни и считать особенными самые банальные вещи: “Создание этих работ позволяет мне расширить свои интересы и совершить новые открытия в области наших повседневных занятий и обязанностей, которые мы часто принимаем как должное. Я стараюсь представить в своих работах такие занятия как нечто особенное “.

Американская художница из Вермонта Эрика Лоулор Шмидт (Erika Lawlor Schmidt) собирает материалы для своих коллажей из книг, журналов, географических карт и других печатных изданий, многие из которых хранят отголоски ностальгии, истории и полузабытого прошлого. Затем она начинает выбирать из своего обширного архива подходящие картинки и создавать из них другую реальность: “Коллаж – это процесс сбора отдельных элементов и превращения их в нечто целое”.

Загадочный арт-директор, иллюстратор и графический дизайнер из Буэнос- Айрэса, Аргентина, Ариэль Чиеза (Ariel Chiesa) создает лаконичные ретро-коллажи, используя для этого разнообразные инструменты – от старых журналов до компьютерной графики. На черно-белый фон она накладывает разноцветные картинки из семидесятых-восьмидесятых годов – чаще всего это портреты знаменитостей или молодежи, – придавая выбранным изображениям совершенно иной вид.

Читайте также:
Фотообои для кухни: дизайнерский интерьер быстро и просто

Поэт, фотограф и коллажист Дэлайла Джонс (Delilah Jones), переехавшая из Нью-Йорка в Портлэнд работать в кафе с мороженым, считает, что её коллажи наполнены магией: “Я стараюсь сделать искусство реальностью, затронуть умы, сердца и души своими удивительными и абсурдными творениями в эти времена неопределенности и великолепия”. Недавно Дэлайла начала совместный проект с еще одним коллажистом Джесси Трис (Jesse Treece) под названием Ice Cream Kingdoms. Его главной целью является выпуск книги с коллажами художников из разных стран.

Арт-рекордсменки: 8 самых дорогих современных художниц

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь.

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery.

Читайте также:
Как обновить дизайн квартиры своими руками с помощью наклеек на стены? примеры с фото!

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев: галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.

Читайте также:
Очаровательные апартаменты для двух романтических натур обожающих книги: современность и дизайнерские хитрости. интерьер от susanna cots, барселона, испания

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени, находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду. Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube.

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3 075 774 долл.

Читайте также:
Ревизионные люки – «невидимки», живущие в каждом здании

Мэгги Тейлор /Maggie Taylor/ Милый дамский сюр (другой вариант)

Американская художница Мэгги Тэйлор /Maggie Taylor/ родилась в Кливленде, Огайо и в 1983 году закончила закончила философский факультет Йельского университета. А затем училась фотографии в Университете Флориды. За это время её работы прошли путь от чёрно-белых пригородных пейзажей до более персонифицированных полноцветных натюрмортных произведений с присущей им сюжетной образностью.
Битые бутылки и старые игрушки снимаются на ретро-фотокамеру


Используя старую камеру 4х5 и естественное освещение, Мэгги фотографировала фрагменты повседневности: старые игрушки, битые бутылки, домашних животных. С 1987 года её коллажные фотоработы выставлялись более чем на 60 персональных выставках в Соединённых Штатах. В 1996 и 2001 годах она получала специальную художественную стипендию штата Флорида.
работы Мэгги создаются с использованием компьютера и планшетного сканера. Помещая различные объекты непосредственно на сканерное стекло, она делает уникальные цифровые изображения, наделённые неповторимым фотографически-коллажным шармом.

Далее следует не полный, но впечатляющий список музеев и галерей, которые приобрели работы Мэгги Тэйлор для своих коллекций.

The Art Museum, Princeton University, Princeton, NJ; The Center for Creative Photography, Tucson, AZ; The Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge, MA; The High Museum of Art, Atlanta, GA; The Mobile Museum of Art, Mobile, AL; Musee de la Photographie, Charleroi, Belgium; Museet For Fotokunst, Odense, Denmark; the Museum of Fine Arts, Houston, TX; NationsBank, Charlotte, NC; and the Prudential Insurance Company, Newark, NJ.


































Модный арт-гид: современное искусство и fashion-индустрия

В новом сезоне искусство покорило подиумы творческим многообразием — от масштабных инсталляций до мини-коллажей

Au Jour Le Jour

Комедия абсурда

Ханна Хех, «Индийская танцовщица», ок. 1930

Абсурд как творческий метод — находка дадаистов. Они фокусировались на визуальной составляющей, которая заменяла им сюжет. Яркий пример — коллажи Ханны Хех. Принты Undercover — если не цитата, то реверанс в сторону ее творчества. Даже тексты дадаистов похожи на абстрактные полотна: в них нет смысла, зато их можно повесить на стену вместо картины.

Читайте также:
Оригинальный дизайн магазина штучных аксессуаров belance

Конструктивная критика

Казимир Малевич, «Женщина с граблями», 1928–1932

ФОТО Getty Images

Русские конструктивисты интересовались не только живописью. Дизайн — важное направление советского авангарда. Казимир Малевич занимался фарфором, Любовь Попова — текстильными орнаментами, а Варвара Степанова придумала прозодежду — вещи с идеологией. Работы художников демонстрировались по всему миру. Западные авторы хорошо знакомы с ними и цитируют их наследие в своих образах.

Ричард Филлипс, Spectrum, 1998

О вреде курения

Том Вессельман, Smoker Banner, 1971

Том Вессельман и Ричард Филлипс не так известны, как Уорхол или Лихтенштейн, но их творчество стало лейтмотивом модного поп-арта. Версии картины Smoker Banner можно найти в орнаментах Moschino и на показе Just Cavalli. А след гиперреалистичных портретов Филлипса, похожих на увеличенные копии страниц из глянцевого журнала, угадывается в принтах J.W. Anderson и House of Holland.

Arman, Waiting to Exhale, 1997

House of Holland

Уличный беспредел

Space Invader, мозаика

На смену граффити пришли масштабные проекты. Одним из первых, кто осмелился на уличный концептуальный эксперимент, стал парижский художник Space Invader, приятель Бэнкси. Первые мозаики с героями популярной аркады Pacman он создал в 1998 году. Последней территорей, захваченной плиточными монстрами, стал лондонский подиум: «пиксельные» создания поселились на сумках и пальто Anya Hindmarch.

Венера в лохмотьях

Микеланджело Пистолетто, «Венера в лохмотьях», 1967, 1974

Превратить пространственный объект в одежду — задача не из легких, но авангардисты моды Viktor & Rolf и Comme Des Garçons успешно с ней справляются, создавая инсталляции на живых моделях. На этот раз источником вдохновения стало «бедное» искусство — Arte Povera. Романтичная Венера в лохмотьях сама подсказывает идею: кажется, что она, чтобы прикрыть наготу, наденет все сразу, не в силах остановиться на чем-то одном.

Вы помните хотя бы одну известную художницу? Мы собрали целых 10, которых стоит знать образованному человеку

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Читайте также:
Стильное оформление обоями в английском стиле в интерьере квартиры

Творчество женщин-художников всегда было намного менее известно, чем работа их коллег-мужчин. Порой их работы даже трудно определить, поскольку раньше женщинам приходилось сохранять анонимность или брать мужские псевдонимы. Тем не менее они всегда выступали одним из излюбленных предметов изображения на картинах, часто — обнаженными. Такая ситуация в 1989 году вызвала у художественного коллектива Guerrilla Girls негодующий вопрос: «Неужели женщины должны быть голыми, чтобы попасть в Метрополитен-музей?»

Мы в AdMe.ru считаем, что искусство женщин не получает должного признания, и решили проследить творческий путь 10 великих художниц, которые обладают статусом полноправных мастеров искусства.

10. Марина Абрамович (род. 1946)

Сербский мастер перформанса Марина Абрамович удостоилась «Золотого льва» на Венецианской биеннале как лучший художник, получила за художественные достижения орден, а в 2012 году в США открылся институт ее имени. Ее прозвали «бабушкой искусства перформанса». Марина открыла новое понятие идентичности, превращая наблюдателей в участников процесса. Перформансы Абрамович, часто требующие от художницы немалой физической выносливости, всегда говорят об уязвимости человека.

В ранних работах Абрамович центральное место принадлежит ее телу и его физическим пределам и возможностям. А ее стремление вовлечь посторонних людей в художественный процесс ярче всего выразилось в перформансе «Ритм 0», когда она отдала себя во власть посетителей галереи, которым предлагалось выбрать один из 72 подготовленных объектов и воздействовать с его помощью на художницу.

9. Марта Рослер (род. 1943)

Американская художница и арт-феминистка Марта Рослер более всего известна своими фотографиями, которые стали для нее орудием политического протеста. Не меньшее значение, однако, в ее творчестве имеют видео, скульптуры, инсталляции и тексты: декларации и статьи на феминистские и другие общественно-политические темы, критические и теоретические эссе об искусстве.

В видеоработе «Семиотика кухни» она пародировала популярные телепередачи и, сохраняя непроницаемое выражение лица, перечисляла кухонный инвентарь по алфавиту, красноречиво демонстрируя подавленность и затаенную ярость женщины, которую общество считает созданной для исполнения домашних обязанностей.

8. Йоко Оно (род. 1933)

Японская авангардная художница Йоко Оно сыграла важную роль в становлении концептуального искусства. Она является автором множества картин, скульптур, инсталляций, перформансов, экспериментальных фильмов и музыкальных произведений. Вместе с Джоном Ленноном, своим мужем, Оно осуществила целую серию протестных проектов, привлекших внимание широкой публики.

Читайте также:
Использование потолочных обоев в интерьере: преимущества и недостатки

Большую известность получила их совместная акция «В постели за мир», когда во время медового месяца они провели неделю в номере отеля, не покидая постели, под лозунгами, направленными против войны во Вьетнаме.

7. Яёи Кусама (род. 1929)

На данный момент японская художница Яёи Кусама является самой оплачиваемой в мире, а ее имя прочно ассоциируется с орнаментом в горошек. Однако ее многогранный талант нашел выражение во множестве техник: от рисунка, живописи и скульптуры до перформанса, видео и инсталляции. Кусама экспериментировала с «ковровой» живописью, создав знаменитую ныне серию картин, покрытых паутиной точек и линий, под названием «Бесконечная сеть».

Значительный интерес публики вызывают ее инсталляции с использованием зеркал и электрического света «Зеркальные комнаты». Кроме того, привлекают внимание и ее «Аккумуляции» — скульптуры и коллажи, покрытые густым ворсом из мелких плюшевых объектов.

6. Амрита Шер-Гил (1913−1941)

Творчество индийской художницы Амриты Шер-Гил положило начало индийскому модернизму и благодаря этому получило известность во всем мире. Для искусства своей страны художница сделала то же, что сделали для европейского искусства классики авангарда: совершила в нем революцию. После учебы в Париже, где работы девушки заметили в Салоне, Амрита вернулась в Шимлу с твердым намерением открыть для Индии современное искусство.

Синтез традиций индийской живописи и обобщенной манеры европейских авангардистов, который Шер-Гил использовала в своих полотнах, и лег в основу нового индийского искусства.

6. Фрида Кало (1907−1954)

Окруженная легендами уже при жизни, мексиканка Фрида Кало является ныне одной из самых известных художниц в истории искусства. В центре ее творчества — мистико-мифологическое прочтение собственной биографии. В сравнительно небольшом наследии Кало преобладают картины, связанные с обстоятельствами ее жизни, и автопортреты.

Если ранние работы выдают увлечение итальянским Ренессансом, то в более поздних определяющим становится сочетание реализма с элементами фантастики. Красной нитью проходит в них страдание художницы от невозможности стать матерью; ее разрушенные надежды сказываются среди прочего в жесткой графической манере, передающей чувство недовольства судьбой.

4. Тамара де Лемпицка (1898−1980)

В мире искусства польская и американская художница Тамара де Лемпицка более всего известна своими картинами, запечатлевшими декадентский шик парижских денди «ревущих 20-х». В 1920−1930-х годах Лемпицка была популярным и коммерчески успешным художником. Мода на ее работы среди европейской и американской элиты не проходила, они выставлялись в самых престижных галереях и отлично продавались.

Читайте также:
Очаровательная спальня в гостевой квартире от знаменитого дизайнера william t georgis

К концу 1930-х у художницы появился интерес к религиозным сюжетам. Кроме того, Лемпицка вела активную светскую жизнь, и среди некоторых историков искусства она считается «первой художницей, которая была гламурной дивой».

3. Джорджия О’Кифф (1887−1986)

Славу американской художнице Джорджии О’Кифф принесли картины с цветами. Впервые она обратилась к этому сюжету в 1919 году и с тех пор его не оставляла. Центральной темой ее произведений являются природные трансформации. Каждая работа, как правило, посвящена одному цветку, изображенному в сильном увеличении и в упрощенной гамме из нескольких цветов. Кроме того, в конце 1920-х годов Джорджия создала серию картин с черепами животных, символизирующими связь между материальным и духовным мирами.

2. Элизабет Луиза Виже-Лебрен (1755−1842)

Еще в юности обнаружив незаурядные способности в рисунке и живописи, французская художница сумела стать успешным портретистом, получавшим заказы от парижских аристократов. Уже в 15 лет девушка взяла на себя финансовые обязательства семьи. С этого же момента начался ее взлет на стезе живописи: она писала портреты знатных парижан и приезжих вельмож из других стран. Успех этих работ увенчался знакомством с Марией Антуанеттой, после которого Элизабет стала любимым художником королевы и написала более 20 ее портретов.

1. Лавиния Фонтана (1552−1614)

Итальянский живописец-маньерист Лавиния Фонтана считается первой женщиной, построившей самостоятельную карьеру в искусстве. Она пользовалась популярностью в качестве портретиста и регулярно получала заказы на другие работы. Ее алтарные картины для церквей Рима и Болоньи получили признание, которого обычно удостаивались только художники-мужчины. Лавиния оставила после себя творческое наследие, превосходящее созданное в искусстве кем-либо из женщин до XVIII века.

Каких художниц вы бы добавили в наш список?

Ссылка на основную публикацию