Artist residence — сад скульптур в духе основателя поп-арта роя лихтенштейна

ПОП-АРТ — ИСКУССТВО МАССОВОЙ КУЛЬТУРЫ

Поп-арт — это искусство массовой культуры. Это движение в визуальном искусстве, характеризующееся чувством оптимизма во время послевоенного потребительского бума в 1950-60х годах. Оно совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворенной Элвисом и Битлз. Для всего художественного истеблишмента поп-арт был дерзким, молодежным, забавным и — враждебным. Он объединял разнообразные стили живописи и скульптуры из различных стран общим интересом к СМИ, массовому производству и массовой культуре.

Впервые слово «поп» было использовано в 1954 году британским художественным критиком Лоуренсом Эллоуэем, для обозначения нового типа искусства, вдохновленного образами и изображениями массовой культуры. Эллоуэй, вместе с художниками Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолоцци, был одним из основателей Независимой Группы — объединения художников, архитекторов и писателей, которые в 1952-1955 годах на своих собраниях в Институте современных искусств (ICA) в Лондоне исследовали радикальные подходы к современной визуальной культуре. Они стали предшественниками британского поп-арта. На первом собрании Паолоцци представил визуальную лекцию под названием «Bunk» (сокращенное «bunkum», т.е. абсурд, нонсенс, бессмыслица), в которой в ироническом свете представил американский образ жизни. Лекция сопровождалась иллюстрациями в виде коллажей, созданных из фотографий из американских журналов, которые он получал от членов Независимой группы в конце 1940-х, проживая в Париже. В работе «Я была игрушкой богатого человека» (‘I was a Rich Man’s Plaything’), впервые присутствует слово «поп».

Некоторые молодые художники 1950-х, выросшие в условиях лишений военного времени с его продовольственными карточками и жесткой экономией, смотрели на чарующие образы американской популярной культуры и присущий ей потребительский образ жизни с романтическим чувством иронии и легкой завистью. В их воображении Америка представала страной, свободной от классовых предрассудков и искажений, способных подавить предусмотренное развитие культуры: всеохватывающей молодой культуры, включающей в себя социальное воздействие СМИ и массового производства. Направление поп-арт стало для них способом выражения в поиске нового и языком, основанном на коллажах и композициях дадаизма. Дадаисты создавали иррациональные сочетания случайных образов, чтобы спровоцировать реакцию представителей правящих кругов. Британские приверженцы поп-арта применяли аналогичный визуальный прием, однако их внимание было сосредоточено на популярных образах массовой культуры как вызове влиятельным лицам.

Коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (‘Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?’) по сути является полным перечнем изображений поп-арта: комиксы, газеты, реклама, автомобили, продукты питания, упаковка, бытовая техника, знаменитости, секс, космический век, телевидение и кино. Черно-белая версия этого коллажа была использована в качестве обложки для каталога выставки ‘This Is Tomorrow’ в Галерее Уайтчепел в 1956 году. Это шоу ознаменовало расширение понимания того, что такое культура, и вдохновило новое поколение британских художников: Эдуардо Паолоцци, Питера Блейка, Дэвида Хокни, Аллена Джонса, Джо Тилсона, Дерека Бошьера, Ричарда Смита и Рона Б. Китай.

Путь развития направления поп-арт в Америке несколько отличался от британского. В Америке поп-арт стал одновременно и фактором развития, и реакцией на абстрактный экспрессионизм. Абстрактный экспрессионизм был первым движением в американском искусстве, заслужившим мировое признание, но в середине 1950-х многим он стало казаться слишком интроспективным и элитарным. Формирование американского поп-арта стало своего рода попыткой обратить эту тенденцию путем возврата к представлению образа как основы построения композиции в живописи, предполагавшего возвращение искусства от малопонятных абстракций к реальной жизни. Эта модель уже испытывалась и опробовалась раньше: что-то подобное сорока годами ранее предпринимал Пикассо, создавая коллажи из напечатанных снимков «реального мира» в своих натюрмортах, в опасениях, что его картины становились слишком абстрактными. Примерно в 1955 году два выдающихся художника заложили фундамент моста, соединявшего абстрактный экспрессионизм и поп-арт. Этими художниками были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.

Ранние произведения Джаспера Джонса ставят под сомнение то, как мы смотрим, воспринимаем и создаем искусство. В своих работах он не различает субъект и объект, — и если уж на то пошло, то жизнь и искусство тоже. В его глазах они одно и то же. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на представление и иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.

Как и предшественники британского поп-арта, на Джонса повлияли дадаисты, в частности реди-мэйды («найденные объекты») Марселя Дюшана, чьи сушилки для бутылок и велосипедные колеса ранее оспорили само определение предмета искусства.

Предметами картин для Джонса стали не «найденные объекты», а «найденные изображения» — флаги, мишени, буквы и цифры — и именно эта иконография знакомых знаков стала «поп». Он видел их как «предварительно сформированные, традиционные, обезличенные, фактические наружные элементы».

ПОП-КОЛЛАЖ И МУЛЬТИМЕДИА

Роберт Раушенберг в своих работах тоже использовал «найденные изображения», но, в отличие от изображений Джонса, они были скомбинированы по взаимосвязям друг с другом и с реальными объектами. Работу обоих этих художников часто называют нео-дадаизмом, так как они опирались на «найденные элементы», впервые использованные дадаистами Марселем Дюшаном и Куртом Швиттерсом.

Вдохновленный Швиттерсом, создававшим коллажи из подобранного на улице мусора, Раушенберг сочетал реальные объекты, которые он находил около своего нью-йоркского жилья, с коллажами и живописью. Он говорил: «У меня было правило. Если я обошел квартал и не нашел достаточно вещей для работы, я могу обойти еще один в любом направлении – но на этом всё». Раушенберг считал, что «картина больше походит на реальность, если она сделана из реальности.»

Коллаж был естественным языком Раушенберга, и он расширил его словарный запас, разработав метод комбинирования масляной живописи с фотографической шелкографией. Это позволило ему экспериментировать с собранными из газет, журналов, телевидения и кино изображениями, которые он мог воспроизвести в любом размере и цвете в качестве композиционной элемента на холсте или печати. Он использовал эти элементы, чтобы отобразить наше восприятие СМИ. Каждый день из телевизоров, газет и журналов нас бомбардируют многочисленными изображениями, на большинство из которых мы не обращаем внимания, но запоминаем некоторые – те, что сознательно или подсознательно связаны с нашим индивидуальным опытом и пониманием. Картины Раушенберга захватывают этот визуальный «шум» в рамках образов, предлагающих что-то вроде иронической аллегории.

УОРХОЛ – ОТ ЗНАМЕНИТОСТЕЙ ДО БАНОК С СУПОМ

Если бы существовал художник, олицетворяющий собой поп-арт, это был бы Энди Уорхол. Первоначально он работал в качестве «коммерческого художника», получая темы из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.

Уорхол закрепил дух американской популярной культуры и повысил ее образы до статуса музейного искусства. Он использовал второсортные фотографии знаменитостей и потребительских товаров, которые, как он считал, имели подлинную банальность, делающую их гораздо интереснее. Он чувствовал, что через массовое воздействие они лишались смысла и эмоционального присутствия. Всегда подрывающий ценности художественного истеблишмента, Уорхол был очарован этой банальностью, что выразилось в серии картин, сюжетами которых было что угодно, начиная с знаменитостей и заканчивая банками супа. Не важно, был ли это «Кэмпбелл — луковый суп с говядиной» или «Авария серебряной машины», портрет «Элизабет Тейлор» или «Электрический стул», индивидуальный подход Уорхола всегда был тем же: «Понимаете, я думаю, все картины должны быть одного размера и одного цвета, чтобы они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него картина лучше или хуже.» Уорхол видел эту эстетику массового производства как отражение современной американской культуры: «Что хорошего в Америке, так это традиция, что самые богатые покупают те же вещи, что и самые бедные. Ты смотришь телевизор и видишь Кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет Кока-колу, Лиз Тейлор пьет Кока-колу, и, только подумай, – ты тоже можешь пить Кока-колу. Кока-кола есть Кока-кола, и ни за какие деньги ты не купишь Кока-колы лучше, чем та, которую пьет бродяга на углу. Все Кока-колы одинаковы, и все они хороши. Лиз Тейлор это знает, президент это знает, и ты это знаешь.»

Как кубизм стоит на плечах Сезанна, так искусство Уорхола зависимо от реди-мэйдов Дюшана. По духу будучи на самом деле дадаистом, он был так называемым «agent provocateur». Его многочисленно причудливые прокламации об искусстве были намеренно загадочными и противоречивыми, избегающими разъяснений и заставляющими его аудиторию размышлять о смысле: «Я предпочитаю оставаться загадкой. Не люблю описывать свое прошлое, и каждый раз, когда меня об этом просят, я рассказываю новую историю.» Уклонение от вопросов было для Уорхола стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал собственный имидж как неотделимую от искусства бизнес-модель: «Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. Успех в бизнесе – самый притягательный вид искусства.»

Рой Лихтенштейн разработал стиль поп-арта, основанный на визуальном жаргоне массовой коммуникации: комиксе. Стиль был зафиксирован в своем формате: черные контуры, смелые цвета и заменяющие оттенки точки «бендей» (метод печати, использовавшийся в комиксах в 50-60х годах). Что на самом деле изменилось во время развития искусства Лихтенштейна – это тема, эволюционировавшая от комиксов к исследованиям модернистских художественных течений: кубизма, футуризма, ар-деко, «де стейл», сюрреализма и абстрактного импрессионизма.

В ранних работах Роя Лихтенштейна видно влияние Американа – как он сам выразился, это был «экспрессионистский кубизм… ковбоев и индейцев» – но они по-прежнему основывались на художественных конвенциях, которые его учили уважать. Утомленный избытком Экспрессионистского чувства, которое в то время было повсюду, Лихтенштейн атаковал эту традицию картинами вроде «Смотри, Микки» (1961) – крупномасштабного мультяшного изображения, которое «было сделано из обертки от жвачки» (деталь этой работы можно увидеть в работе «Мастерская художника № 1», 1973). Его комиксы первоначально вызвали шок, но, как и большинство «поп», были быстро приняты галереями и коллекционерами. Лихтенштейн заметил: «Было трудно создать картину, достаточно жалкую, чтобы никто не повесил ее на стену… все вешали все подряд. Было почти приемлемо повесить капающую краской тряпку, к этому все уже привыкли. Единственное, что любой ненавидел – коммерческое искусство, но, видимо, и это никто не ненавидел достаточно.»

Клас Олденбург тяготел к скульптуре больше, чем любой из его современников. В начале 60-х он участвовал в различных «Хэппенингах»: спонтанных, импровизированных художественных событиях, где опыт участников был важнее конечного продукта – своего рода встречи потребительского искусства для потребительской культуры.

Работы Олденбурга полны иронии и юмористических противоречий: он создавал твердые предметы вроде ванны из мягкого, провисающего винила и мягкие предметы вроде чизбургера из сильно закрашенной штукатурки. Он также ниспровергал относительный размер предметов, как например ложка и вишенка, воссоздавая их в архитектурном масштабе: «Мне нравится брать предмет и полностью лишать его его изначальной функции.» Изменяя вид, масштаб и функции объекта, Олденбург опровергает его значение и заставляет зрителя переоценивать его присутствие.

• Поп-арт был дерзким, молодым и забавным направлением в искусстве 60-х годов

• Поп-арт совпал с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры

• Поп-арт объединял различные стили живописи и скульптуры, но все представители имели общий интерес к СМИ, массовому производству и массовой культуре.

• Несмотря на то, что поп-арт зародился в Британии, это, по сути, американское движение

• На поп-арт сильно повлияли идеи дадаизма

• В Америке поп-арт был реакцией против абстрактного экспрессионизма

• Искусство Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга рассматривается как переходный мост между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом

• Наиболее олицетворяющим поп-арт художником считается Энди Уорхол

• Картины Уорхола с изображениями Мэрилин Монро являются самыми известными символами поп-арта

• Рой Лихтенштейн разработал мгновенно узнаваемый стиль поп-арта, вдохновленный американскими комиксами

• Величайшим скульптором направления был Клас Ольденбург, создавший много крупномасштабных работ паблик-арта

Рой Лихтенштейн

Roy Fox Lichtenstein

Рой Лихтенштейн

Roy Fox Lichtenstein

• Дата рождения: 1923 г. ; Manhattan, New York, United States
• Дата смерти: 1997 г. ; Manhattan, New York, United States
• Годы активности: 1951 – 1997
• Национальность:американец
• Направление:Поп-Арт
• Сфера:живопись , скульптура
• Испытал влияние:Фернан Леже
• Оказал влияние:Deborah Azzopardi
• Арт-институции:Лига студентов-художников Нью-Йорка , Parsons School of Design (Chase School, New York School of Art), New York City, NY, US
• Друзья и коллеги:Аллан Капроу
• Википедия:ru.wikipedia.org/wiki/Лихтенштейн,_Рой

Заказать
репродукцию

Рой Фокс Ли́хтенштейн (англ. Roy Fox Lichtenstein [ˈlɪktənˌstaɪn]; 27 октября 1923, Манхэттен, Нью-Йорк — 29 сентября 1997, там же) — американский художник, представитель поп-арта.

Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в еврейской семье среднего класса. До 12 лет обучался в общеобразовательной школе, а после поступил в Манхеттенскую школу Франклина для мальчиков, в которой он и завершил своё среднее образование. Искусство не было включено в учебную программу школы; Лихтенштейн впервые стал интересоваться искусством и дизайном в качестве хобби.

После окончания школы Лихтенштейн уезжает из Нью-Йорка в Огайо, для обучения в местном университете, в котором преподавались курсы по искусству и давалась степень в области изобразительного искусства. Его обучение было прервано на три года, пока он служил в армии во время Второй Мировой войны и после неё в 1943—1946 годах. Лихтенштейн стал выпускником университета Огайо и остался там на преподавательской должности в течение следующих десяти лет. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств на факультете Университета штата Огайо, и в том же году женился на Изабель Уилсон, с которой впоследствии развёлся в 1965 году. В 1951 году у Лихтенштейна состоялась его первая персональная выставка в галерее «Carlebach» в Нью-Йорке.

В том же году он переехал в Кливленд, где жил в течение последующих шести лет, иногда возвращаясь в Нью-Йорк. Он менял места работы пока не писал картины — например, в отдельные периоды был помощником декоратора. Стиль его работ в это время менялся от кубизма до экспрессионизма.

В 1954 году родился его первый сын, Дэвид. Затем в 1956 году появился второй сын — Митчелл. В 1957 году он переехал обратно в Нью-Йорк и снова начал преподавательскую деятельность.

В 1960 году он начал преподавать в Рутгерском университете, где попал под значительное влияние Аллана Капроу. Это способствовало увеличению его интереса к образам прото-поп-арта. В 1961 год Лихтенштейн создал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологию, пришедшую из промышленной печати.

Первый успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шёлкографию. Большинство работ художника выполнена в технике фиксированного рисунка, которая заключается в том, что изображение масштабируется, видоизменяется растр, а полученный вариант при помощи трафаретной печати превращается в оригинальный формат. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма. Был дружен с Энди Уорхолом.

Картина «Электрический шнур» была написана в 1961 году в стиле поп-арт. Картина была куплена Лео Кастелли за 750 долларов. В 1970 году картина была отдана реставратору Даниелу Голдрейеру. После смерти Голдрейера картина исчезла. ФБР долго вело следствие, но никакого криминала в произошедшем не обнаружило. Голдрейер умер своей смертью, и все полотна, находившиеся в его мастерской, оказались на месте, кроме «Электрического шнура».

В 2009 году вдова реставратора, разбирая один из шкафчиков, обнаружила пропавшее полотно и сообщила в полицию. Полотно передали Барбаре Кастелли — наследнице хозяина картинной галереи. На сегодняшний день эта картина оценивается в четыре миллиона долларов.

В 1989 году картина «Торпеда… Огонь!» была продана на аукционе «Кристис» за 5,5 миллионов долларов, что стало рекордом и позволило Лихтенштейну войти в тройку живущих художников с максимальной стоимостью работ.

В 2005 году картина «В машине» была продана за рекордные 10 миллионов фунтов стерлингов (16,2 миллиона долларов).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Рой
Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн (англ. Roy Fox Lichtenstein;27 октября 1923, Нью-Йорк, США – 29 сентября 1997, Нью-Йорк, США) – американский художник, одна из самых влиятельных фигур стиля поп-арт. В 60-е годы ХХ века начал создавать картины, основанные на изображениях из журналов комиксов, благодаря чему добился огромной популярности как в Америке, так и за ее пределами. В это же время он начинает писать серию оммажей – отсылок к картинам знаменитых художников, например, Пабло Пикассо, Винсента Ван Гога и Анри Матисса. Кроме того, в разные периоды творчества Лихтенштейн создает скульптуры с узором, имитирующим растровую печать.

Особенности творчества художника Роя Лихтенштейна: он кропотливо работал над каждой картиной, созданной на основе комиксов. Художник не просто копировал изначальное изображение, он изменял композицию, добавлял детали и существенно упрощал цветовую гамму. За основу он брал те же цвета, которые использовал в своих работах Пит Мондриан: красный, желтый, синий, черный и белый. Главной же особенностью работ Лихтенштейна является имитация растровой печати – так называемых «точек Бен-Дэй».

Однажды сын показал Рою Лихтенштейну страницу из журнала комиксов о Микки-Маусе и спросил: «Спорим, ты не сможешь нарисовать так же хорошо?» Художник с легкостью принял вызов и написал свою первую знаменитую картину «Смотри, Микки». С тех пор комиксы стали неотъемлемой частью его жизни и центральным мотивом его творчества.

Худший художник Америки

Для своей первой работы, с которой начинается «комиксовый» период в его творчестве, Лихтенштейн не случайно выбрал именно Микки Мауса. По словам художника, диснеевский мышонок был тем образом, в котором никому не пришло бы в голову искать хоть что-то от высокого искусства, он, в определенном смысле, был полной его противоположностью. В этом, собственно, и заключалась ценность комиксов для Лихтенштейна. Они были настоящим олицетворением массовой культуры, причем культуры подростковой. Все эти гипертрофированные взрывы, звукоподражания в подписях и нереалистичные герои как нельзя лучше подходили миру тинейджеров с их вечным максимализмом. К культуре комиксов никто даже не пытался относиться всерьез и искать в ярких журналах какие-то художественные достоинства. Собственно, и «культура комиксов» своим появлением во многом должна быть благодарна именно Лихтенштейну. Совсем скоро в обиход войдет термин «графический роман» и начнут вестись разговоры о мрачной эстетике комиксов в стиле нуар.

Однако, в отличие от первоисточников, работы Лихтенштейна подвергались гораздо более жестокой критике. В начале 60-х, после долгих лет жизни в Огайо и Нью-Джерси, он возвращается в родной Нью-Йорк и взрывает американскую культурную столицу своими картинами кричащих цветов с плоскими изображениями печеного картофеля, хот-догов, фритюрниц и стиральных машин. Своей внезапно возросшей популярностью художник был обязан знаменитому арт-дилеру Лео Кастелли, который в 1962 году организовал персональную выставку Лихтенштейна. О том, что к этому моменту он уже был весьма популярной фигурой в художественных кругах Нью-Йорка, говорит тот факт, что большая часть представленных на выставке картин была выкуплена влиятельными коллекционерами еще до ее начала.

Сразу же после этой выставки на Лихтенштейна обрушился шквал обвинений в вульгарности и «пустоте». Журнал Life даже назвал его худшим художником Америки. В ответ на все нападки Лихтенштейн не отмалчивался, а давал ответные интервью, отстаивая свою точку зрения на собственные картины и искусство в целом. Кроме всего прочего, Лихтенштейна обвиняли в том, что он бездумно копирует страницы из журналов, не создавая ничего принципиально нового. Он же неоднократно утверждал, что подвергает каждое выбранное изображение «принципиальной трансформации, но это сложно доказать с помощью любой рациональной аргументации» .

Работы Лихтенштейна подвергались нападкам не только со стороны художественных критиков. Как несложно догадаться, он впал в немилость и у авторов комиксов. Когда картина художника «Мне видно всю комнату… но в ней никого нет!» была выставлена в Музее Соломона Гуггенхайма, Уильям Овергард, автор комикса «Стив Ропер», из которого Лихтенштейн позаимствовал изначальное изображение, написал обиженное письмо в газету. Овергард писал, что бесконечно рад тому, что его работа выставлена в музее, вот только подписана она не его именем, и Лихтенштейн ее безнадежно испортил. Художник в очередной раз оказался в центре скандала. Ополчившиеся на Лихтенштейна и Уорхола (который тоже изображал Микки Мауса и Дональда Дака) авторы комиксов заявили, что, если те могут беззастенчиво красть их работы, они могут в ответ создать собственный поп-арт. Была организована выставка, которую оскорбленные графики собрали из банок с супом «Кэмпбелл» и коробок со стиральным порошком. Как и следовало ожидать, выставка оказалась провальной, причем не понравилась она даже самим авторам комиксов. По всей вероятности, в какой-то момент они все же поняли, в чем состоит принципиальное различие между их работами и картинами поп-художников: представители поп-арта не копировали бездумно окружающую действительность, а в свойственной им манере – часто холодной и отстраненной – выражали свое отношение к массовой культуре через ее самые яркие образы. Как бы там ни было, ни Овергард, ни другие авторы в итоге решили не затевать никаких разбирательств об авторских правах.

Многогранность и эксперименты

Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке 27 октября 1923 года в семье с немецко-еврейскими корнями. Сын застройщика и домохозяйки с детства проявлял интерес к искусству, но одной лишь живописью не ограничивался. Он заслушивался научно-фантастическими передачами по радио, собирал модели самолетов и часами бродил по музею естественной истории. Подростком Рой посещал курсы по акварели, а в старшей школе собрал собственную джазовую группу.

К 1940 году Рой окончательно определился с тем, кем хочет стать в будущем, и начал учиться живописи у Реджинальда Марша в Художественной студенческой лиге. Тогда же Лихтенштейн пишет первые картины в стиле социального реализма. Позже в том же году он поступил в Университет штата Огайо, где кроме рисунка и дизайна изучал ботанику, историю и литературу. В это время стиль его работ меняется: он пишет портреты и натюрморты, в которых явственно просматривается влияние Пабло Пикассо и Жоржа Брака.

Совсем скоро на мир обрушилась война, и Лихтенштейн решил прервать обучение, чтобы послужить своей стране. В рамках подготовки к службе он изучал языки, посещал инженерные и летные курсы. Но в армии Лихтенштейн по большей части занимался работой секретаря и рисовальщика, копировавшего изображения из армейской газеты. Почетную отставку художник получил в 1946 году, успев побывать во Франции, Англии, Бельгии и Германии. После этого он вернулся в университет, получил степень бакалавра и остался в вузе еще на десять лет – уже в качестве преподавателя.

По всей вероятности, во время службы в армии, Лихтенштейн мечтал стать пилотом, и, по мнению некоторых искусствоведов, это нашло отражение в его более поздних работах, основанных на комиксах. Можно обратить внимание на то, что в своих картинах он никогда не использовал фантастические и «супергеройские» комиксы, которые были особенно популярны в то время. Многие из работ Лихтенштейна созданы на основе серии «All American Man of War», в частности, повторяющийся мотив авиакатастрофы (1, 2, 3, 4, 5, 6). Что же касается его послевоенных картин, то в них, несмотря на серийность сюжетов, художник не задерживался надолго в одном стиле. После анималистических скульптур, портретов и натюрмортов он экспериментирует с экспрессионизмом и биоморфным сюрреализмом. Позже Лихтенштейн, работы которого уже начали выставляться в галереях, пишет портреты музыкантов, дорожных рабочих и гонщиков в духе картин Пауля Клее.

В одной из кливлендских галерей художник знакомится со своей будущей женой Изабель Уилсон. В 1951 году в Нью-Йорке проходит его первая персональная выставка, а позже в этом же году он переезжает в Кливленд и начинает писать портреты ковбоев и коренных американцев, зарабатывая на жизнь инженерными и чертежными работами. В это же время Литенштейн создает уникальный вращающийся мольберт, позволявший ему поворачивать холст непосредственно во время работы, чтобы получить возможность писать с любого угла. О своем изобретении художник, вдохновленный новым методом работы, говорил так: «Я пишу свои картины вверх ногами или повернув их на бок. Часто я даже не помню, о чем они. Мое внимание цепляется не за сюжет» .

Рой и Изабель развелись вскоре после рождения второго сына. Художник на время осел в Нью-Джерси, поступив на должность преподавателя в Рутгерский университет, а затем окончательно перебрался в Нью-Йорк, где прожил до конца своих дней. Однако в 1960 году в Нью-Джерси Лихтенштейн успел познакомиться с человеком, повлиявшим на все его дальнейшее творчество. Этим человеком был художник Аллан Капроу, которого называют одним из предшественников поп-арта. Вскоре после знакомства с ним Лихтенштейн напишет «Смотри, Микки».

Не комиксами едиными

Несмотря на то, что прославили Лихтенштейна работы, написанные на основе комиксов, период, в который он их писал, не продлился и десяти лет. Уже во второй половине 60-х художник начинает обращаться к новым сюжетам и образам, при этом неизменно используя в качестве «визитной карточки» имитацию печатного растра – точки «Бен-Дэй».

На точечном фоне он пишет свои знаменитые гигантские полотна с «напечатанными» густыми мазками краски (1, 2, 3, 4, 5). В своем уникальном стиле копирует работы Пикассо, Мондриана и Ван Гога, пишет картины с отсылками к Матиссу, Дали и де Кирико. С помощью точек, черных линий и все того же набора цветов Лихтенштейн создает пейзажи, портреты и интерьеры.

Отдельного внимания заслуживают работы художника, посвященные стеклам и зеркалам. Первой из них можно назвать «Увеличительное стекло», написанное в 1963 году, а уже в 70-х он пишет целую серию зеркал и стеклянных стаканов, удивительным образом умудряясь передать глубину и игру света с помощью одного набора выразительных средств (1, 2, 3, 4, 5, 6, 7).

В 1978 году Лихтенштейн создает свой самый знаменитый автопортрет: пустая белая футболка неизвестной марки, над которой на месте головы висит в воздухе такое же пустое зеркало. В этом, наверное, и заключается вся суть поп-арта: художник не перерабатывает образы, выплескивая на холст внутренние переживания, как это было в эпоху абстрактного экспрессионизма, а лишь отражает то, что демонстрирует ему общество.

Художник Рой Лихтенштейн: биография, творчество и интересные факты

Рой Лихтенштейн, творчество которого оценивается в контексте создания нового современного стиля мирового искусства, знаменит тем, что несколько раз менял манеру написания и эстетическую направленность. Артист постоянно искал свою стезю, которая будет выделять его из всей когорты художников. Сейчас картины этого мастера продаются на аукционах по цене в несколько десятков миллионов долларов.

Детство и первые шаги по призванию

Рой Лихтенштейн, будущий маэстро одного из самых массовых искусств двадцатого столетия, появился на свет в промышленной части пригорода Нью-Йорка (27 октября 1923 года). Художник получал образование в обычном школьном учреждении. Вскоре родители мальчика решили, что он имеет прирожденную склонность к живописи и отправили его на курс престижной школы, профильным направлением которой было историческое развитие искусства в мире.

Новый предмет очень увлек парня. Даже после окончания начального заведения он не прекращает развиваться в этом направлении, посещая курсы в студенческом филиале искусств. Ограниченный семейный бюджет не давал возможности организовать Рою дальнейшее достойное обучение в Нью-Йорке. Родители отправляют его в провинцию, где начинающий художник проходит обучение на кафедре изобразительных искусств университета в штате Огайо.

Становление

Рой Лихтенштейн увлекся с головой изучением основ дизайна и изобразительного искусства. Он пытается выработать собственную манеру и стилистику творения. Первые работы мастера напоминают произведения Пикассо и Брака. Пока артист ищет свою индивидуальность, начинается война (1943 год), и его призывают в армию.

По окончании военных действий Рой демобилизуется и успевает окончить высшее учебное заведение, получив степень магистра искусства. Он остается в университете на должности преподавателя. Первые работы мастера мир увидел в 1948 году. Это произошло на выставке в Кливленде. Однако начальный блин стал «комом». Работы художника не отличались оригинальностью и новизной, что не впечатлило критиков и ценителей жанра.

Развитие и признание

Вскоре Рой Лихтенштейн, стиль которого преобразовался в сочетание кубизма и экспрессионизма, организует персональную выставку на Манхэттене. Теоретики замечают работы мастера, акцентируя внимание на уникальных тонах и нестандартных сюжетах.

Преподавание скоро надоело Рою. Он переселяется в Кливленд, постоянно находится в поиске нового направления, меняет несколько работ. В итоге художник все больше разочаровывается, ему недостает оригинальности и особенности.

Пятидесятые годы двадцатого века для мастера становятся переломными в карьере. Он резко меняет стилистику, интересуясь больше рекламными плакатами, комиксами, образами, связанными с массовой культурой. Рой Лихтенштейн совмещает в своих работах рекламные плакаты, мультяшных персонажей и части комиксов, создавая особую направленность в изобразительном искусстве.

Пик славы

Рой Лихтенштейн, произведения которого сначала вызывают у критиков разочарование и недовольство, не отчаивается. Он вскоре получает массу поклонников, а некоторые специалисты позиционируют его творчество как создание нового стиля.

В шестидесятых годах художник оказывается на вершине успеха. Его картины приобретают самые знаменитые и престижные галереи. Находится множество преемников, которые пишут работы в схожем направлении. Следующие два десятилетия стали периодом утверждения нового стиля, получившего название поп-арт. Рой Лихтенштейн по праву считается основателем этой идеи и не перестает экспериментировать с различными комбинациями. Последние его работы сочетают в себе веяние абстракционизма и неоэкспрессионизма.

Интересные факты

В 1949 году Рой получает степень магистра и женится на Изабелле Уилсон. У пары появилось два сына: Дэвид (1954 г.) и Митчелл (1956 г.). Супруги развелись в 1965 году.

Одной из причин, почему художник выбрал направление поп-арт, стал спор между сыновьями, что отец не сможет нарисовать красивее, чем это сделано в оформлении стандартных на то время комиксов.

Самые знаменитые картины, которые написал Рой Лихтенштейн:

• Ohhhh…;
• «Электрический шнур»;
• Torpedo Los;
• In the car;
• I can see the whole room.

В 1962-63 г. художник делал интерпретации картин плачущих девушек Пикассо. Женщины изображены как беспомощные жертвы, а также в качестве страдалиц от своего же неповиновения. Они предпочитают погибнуть, но не обращаются к помощи любимого человека.

Лихтенштейн говорил, что из комикса или мультипликационного фильма берет небольшой кадр, помещающийся в непрозрачный проектор. Далее он переносит картину на холст и обрабатывает ее карандашом, пока не добивается требуемых результатов.

История одной картины

Работа мастера под названием «Тонущая девушка» написана в 1963 году при помощи нефти и синтетических красок на холсте. При ее создании использованы тенденции комических рисунков. Пузырьки транслируют мысли, а точки передают эффект механизированной печати. Эти два фактора стали основополагающими в движении поп-арт.

Сама по себе картина — это шедевр мелодрамы, отображающий женщину в трагической ситуации. На холсте представлена плачущая девушка на фоне бушующего океана. Она не желает звать на помощь, предпочитая смерть от утопления. Голова женщины лежит на воде, как на подушке, подразумевая тем самым, что это место последнего упокоения героини. Большинство критиков оценили картину как зависшую во времени и пространстве.

Заключение

Выдающийся художник своей эпохи, Рой Лихтенштейн, создавший новое веяние в изобразительном искусстве, скончался 29 сентября 1997 года в Манхеттене. Он стал не только прародителем нового стиля, но и кумиром многих ценителей. Его картины продаются по цене в несколько миллионов долларов, что говорит о неординарном таланте и мышлении мастера. Работы Роя занимают почетные места не только в частных коллекциях, но также в самых престижных галереях и музеях мира. Мало кому удавалось добиться таких результатов благодаря множественным попыткам смешивания стилей и природной настойчивости.

Рой Лихтенштейн: жизнь и творчество художника

Рой Лихтенштейн (Roy Fox Lichtenstein; 27 октября 1923, Манхеттен — 29 сентября 1997, Манхеттен) — американский художник, представитель поп-арта.

Содержание

Биография Роя Лихтенштейна

Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в еврейской семье среднего класса. До 12 лет обучался в общеобразовательной школе, а после поступил в Манхеттенскую школу Франклина для мальчиков, в которой он и завершил свое среднее образование. Искусство не было включено в учебную программу школы; Лихтенштейн впервые стал интересоваться искусством и дизайном в качестве хобби.

После окончания школы Лихтенштейн уезжает из Нью-Йорка в Огайо, для обучения в местном университете, в котором преподавались курсы по искусству и давалась степень в области изобразительного искусства.

Его обучение было прервано на три года, пока он служил в армии во время Второй мировой войны и после неё в 1943-1946 годах.

Лихтенштейн стал выпускником университета Огайо и остался там на преподавательской должности в течение следующих десяти лет.

В 1949 г. Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств на факультете Университета штата Огайо, и в том же году женился на Изабель Уилсон, с которой впоследствии развелся в 1965 году.

В 1954 году родился его первый сын, Дэвид. Затем в 1956 году появился второй сын — Митчелл. В 1957 году он переехал обратно в Нью-Йорк и снова начал преподавательскую деятельность.

Творчество Лихтенштейна

В 1951 году у Лихтенштейна состоялась его первая персональная выставка в галерее «Carlebach» в Нью-Йорке.

В том же году он переехал в Кливленд, где жил в течение последующих шести лет, иногда возвращаясь в Нью-Йорк. Он менял места работы пока не писал картины, например в отдельные период был помощником декоратора. Стиль его работ в это время менялся от кубизма до экспрессионизма.

Начинал писать в духе абстрактного экспрессионизма, в 1960-х годах обратился к поп-арту.

Идя по пути отказа от традиционных методов в живописи и скульптуре, представители поп-арта создавали свои работы, базируясь на символических и знаковых объектах, американской рекламной продукции и массовой культуры.

Для Лихтенштейна характерно использование в картинах пивных пробок, этикеток консервных банок, обрывков фотографий и других легко узнаваемых предметов. В поисках самовыражения художник обращался к комиксам Строя на них свою образную систему, он монументализировал фрагменты и широко известных героев комиксов, увеличивая их масштаб, воспроизводя первоначальный цвет и качество дешевой печати («Текс», 1962; «Уом*. 1963).

Позже Лихтенстайн обратился к произведениям признанных мастеров XX века, создавая своеобразные картины-цитаты их работ.

С 1970-х годов Лихтенстайн посвятил себя скульптуре и монументальной живописи.

Интересные факты из жизни художника

Интересный факт: картины американского художника Роя Лихтенштейна выросли из комиксов. Один из сыновей поспорил, что папе не нарисовать так хорошо, как нарисованы комиксы.

Картина Тонущая девушка или Мне все равно, или Я — раковина, написана в 1963 году Роем Лихтенштейном нефтью и синтетическими полимерными красками на холсте. Находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Используя тенденции комического искусства, пузырьки передают мысли на рисунке, а точки — эффект механизированного процесса печати. Это одна из представительных картин поп-арт движения.

Картина — шедевр мелодрамы, изображает женщину в трагической ситуации. На картине изображена плачущая женщина на фоне бурного моря (а, может быть, в океане своих слез?). Она предпочитает утонуть, но не позвать на помощь. Это одна из работ Лихтенштейна, где упоминается имя Брэд, но сам Брэд на картине не присутствует.

Голова девушки лежит на воде как на подушке и кажется, что это место последнего успокоения девушки. Она находится в подвешенном состоянии бедствия. Критики считают, что «картина заморожена во времени и пространстве». Тем не менее эта картина типична для американского индустриального искусства.

Между 1962 и 1963 Лихтенштейн пародировал картины плачущих женщин Пикассо, таких как Безнадежная и серия Плачущие девушки.

Возможно, другой причиной был разрыв с женой в 1963 году. Перейдя на комическую основу работы, Лихтенштейн применял упрощенную цветовую схему и коммерческую печать. Заимствовал технику точек, используемую в газетной печати.

Женщины на картинах Лихтенштейна, имеют жесткие, четкие, но хрупкие контуры и выглядят, как будто они вышли из одного и того же корыта макияжа.

В начале 60-х Лихтенштейн выпустил несколько картин, где показаны несчастные девушки, связавшиеся с властными мужчинами. Беспомощные девушки, с одной стороны — жертвы несчастной любви, а с другой — жертвы своего неповиновения. Они хотят умереть, но не обратиться в тяжелой ситуации к своему любимому.

Лихтенштейн говорил, что из мультфильма или фотографии берет маленькую картинку, помещающуюся в непрозрачный проектор. Затем проецирует рисунок на холсте и начинает играть с карандашом, пока результаты не удовлетворят его.

Рой Лихтенштейн и американский поп-арт

Рой Лихтенштейн принадлежит к сонму художников, принесших течению поп-арт международную известность. Родился (1923 г.), жил и работал в Нью-Йорке. Его художественная деятельность прерывалась лишь призывом на военную службу во время Второй Мировой войны. По возвращении из Европы работал на множестве временных работ, преподавал изобразительное искусство в нескольких университетах.

К середине 1960-х годов Рой Лихтенштейн нашел свой отличительный стиль, имитируя визуальную составляющую офсетной печати средствами изобразительного искусства. Широкую известность получил, создавая картины и гравюры, похожие на типографскую печать и комиксы одновременно. Каждая картина вызывала бурные споры, подвергалась жесткой критике за чрезмерное использование тривиальных методов и объектов для живописи и композиции.

Зачем вообще придумали поп-арт?

В период повышения благосостояния в 1950-60 годах молодые американские и британские художники не то, чтобы “бесились с жиру”, но сумели выразить протест против абстрактной беспредметной живописи, ставшей излишне популярной. Истинно “народным” искусством они считали мультики, кинофильмы, упаковки товаров, рекламные постеры. В итоге поп-арт художники размыли границы между коммерческим искусством и предметами быта.

Какова роль Роя Лихтенштейна в поп-арт?

Рой Лихтенштейн намеренно делал гравюры и писал картины так, чтобы они выглядели как офсетная печать, машинное производство. Чтобы точки располагались строго упорядоченно и не смотрелись хаотично расставленными, использовались трафареты. Зачем? Затем, чтобы картина выглядела как рассматриваемый под лупой кусок комикса из дешевого журнала.

На фотографии Рой Лихтенштейн в процессе резки гравюры; мастерская Тайлера, 1990.

Точки Бэна

Поп-арт Лихтенштейна не столько интересуют комиксы, сколько технология, при помощи которой они печатаются на бумаге. Кто знаком с полиграфическим производством, в частности с технологией офсетной печати, знает, что оттиски печатной продукции делаются точками. Кто не знаком с полиграфией, пусть возьмет журнал или газету и посмотрит на любую картинку через увеличительное стекло. Под лупой станет хорошо видна сетка точек четырех цветов. Только четыре цвета применяются в полиграфии, чтобы воспроизвести полноцветное изображение (голубой, пурпурный, желтый и черный), но Лихтенштейн пользуется всеми возможными красками.

Shipboard girl, литография, 1965

Работа Shipboard girl показывает визуальный словарь Лихтенштейна: плоские области цвета, называемые полиграфистами плашками, смелые графические контуры, и так называемые точки Бэна, использовавшиеся некогда для затенения участков плашечного цвета. Shipboard girl – сосредоточение большинства признаков типичной героини комиксов: молодая, обычно блондинка; крупный план; приоткрытый рот; слегка наклоненная голова; большие, мягкие глаза; выражение сильной эмоции. Для пояснения происходящего настоящие комиксы снабжаются пузырями текста; у Лихтенштейна – визуальный каламбур на заднем плане в сочетании с оригинальным названием картины.

Текстовые пузыри

Лихтенштейн подражал стилистике комиксов, используя не только точки, усиленные лаконичностью линии, но и цвет с текстом. При этом художник выработал собственный стиль, приводя тусклые оттенки дешевой офсетной печати к ярким основным цветам, максимально упрощая и уплощая изображение.

Crak!, литография, 1963–64

Литография Crak! базируется на одной из картин Лихтенштейна. Впервые опубликована как реклама собственной выставки (1963 г.) в галерее Лео Кастелли.

С оглядкой на историю искусства

Лихтенштейн перестал использовать идею комиксов к середине 1960-х. Поздние его произведения нередко отличаются юмористическим и даже непочтительным отношением к произведениям искусства. Художника больше интересовал вид, а не теория, потому он считал возможным “переделывать” импрессионистов начала 20-го века. Одним из многих художников, к картинам которого обращался Лихтенштейн, был Клод Моне (1840-1926). Так была создана серия картин и гравюр на основе стогов сена Моне.

HA YSTACKS, литография с шелкографией, 1973

У Моне пейзажи со стогами сена – целая серия картин, написанных на протяжении четырех сезонов в разное время суток. “Живя” на пленэре, художники начала 20-го века изучали меняющееся освещение и влияние состояния освещения на объекты, что имело огромное значение для искусства в то время. Лихтенштейн же представил стога сена в абстрактно обезличенном виде.

Также Лихтенштейн развивал тему натюрморта. Помимо традиционных композиций и стандартных для натюрморта предметов, художник вставлял в композиции как собственные работы, так и картины Анри Матисса, Фернана Леже, Луиса Морриса.

Натюрморт с портретом, литография, 1974

Натюрморт с портретом эксплуатирует все правила натюрморта, но в витиеватой рамке на стене висит портрет типичной американской домохозяйки 50-х годов 20-го века.

Поп-арт с многогранной трехмерностью

Идею превращения двухмерных изображений в трехмерные объекты Рою Лихтенштейну “подсказал” русский художник Алексей Явленский (1864 – 1941). Вдохновившись картинами Явленского, Лихтенштейн частично переключается на скульптуру, создавая немыслимые изображения человеческих фигур, многие из которых выглядели как машины. Точнее напоминали изделия, сделанные промышленным способом, хотя изготовлены руками в единственном экземпляре.

Безымянная голова, латунь, 1970

Для создания безымянной головы изначально была сделана масштабная модель, картонный макет. В одной из мастерских Лос-Анджелеса, по шаблону, при помощи специальных инструментов в латунной пластине прорезали фигурные отверстия. Однако именно отверстия скульптуры “Безымянная голова” считаются наиболее важным элементом композиции, потому что олицетворяют “отрицательное пространство” (такова задумка автора), пустоту вокруг предмета восприятия, привлекающую внимание к основной теме.

Взаимосвязь между реализмом и абстракцией

Взаимоотношения реальности и абстракции – одна из основных проблем, терзавших бедных художников на протяжении всего 20-го века. Лихтенштейн не стал исключением, отсюда серия “Профили быка” отразила метания современного искусства между вышеупомянутыми стилями.

Профили быка, литография, 1973-74

Изначально узнаваемая форма обыкновенного быка последовательно трансмутируется до чистейшей абстракции. Очертания животного постепенно сводится к основным элементам, отвечающим за узнаваемость: рога, хвост, хребет, ноги.

Рефлексия – отражения

Рефлексивная серия – это семь принтов, которые Лихтенштейн переиначил со своих ранних картин и гравюр. Отличаются тем, что изображения оттеняются таким образом, чтобы создавался эффект, будто действие происходит за стеклом или является отражением в зеркале.

Кричащий мальчик, 1990

Кричащий мальчик – персонаж из мультфильма Swee’Pea (Popeye and Olive Oyl’s baby boy) и одновременно ссылка на “Крик” норвежского художника Эдварда Мунка (1863-1944). Произведение задействовует большинство полиграфических техник: литография, шелкография, линогравюра, металлизация, тиснение.

Обнаженка

Лихтенштейн всю жизнь собирал образцы популярной культуры, держа коллекцию по папкам в качестве идейного ресурса: фотографии, газетные и журнальные вырезки. Одна из поздних серий Лихтенштейна (1990-е), а именно обнаженка, является комбинацией журнальных вырезок с перекомпоновкой его ранних картин.

Обнаженная с голубыми волосами, 1994

Отпечатки данной серии отличаются более светлой палитрой и использованием точек разных размеров для имитации светотени.